The fascinating spy-story of Cinebox and Scopitone music videos

An interview with Michele Bovi by Johnny Charlton

Rome, May 1959. The great actor and film director Vittorio De Sica with chief executive of OMI Paolo Emilio Nistri present Cinebox at the Rome Trade Fair.

Michele Bovi, it is your passionate and dedicated research that has revolutionized the history of musical videos: you have delved deep into the history and the roots of the Music Video that is in this day and age the main method of promoting music. Many world renowned experts in the audiovisual field (The American Lawyer Bob Orlowsky who studies and researches the history of Music Videos, the Danish historian of the Jukebox Gert J. Almind, Professor Charles Scagnetti who teaches at the University of Nice in France, Henry Keazor and Thorsten Wübbena who teach The History of Art at the Frankfurt University in Germany) unanimously cite your research that has established that the very first to produce one song Music Videos in Colour were in fact the Italians. For many years it had been erroneously assumed that the first colour music videos were either American or English.

Whatever the musical media, be it a vinyl record, a CD, a DVD or an MP3, it is born and lives in direct symbiosis with the technology and sound reproducing equipment of its time. Over a reasonably short span of time, music has been reproduced on many different machines that range from antique clockwork turntable gramophones to today’s High Tech Digital Players.
In 1981 the catchy term “Videoclip” was newly minted by MTV for the new market that blossomed thanks to MTV’s innovative and methodical large scale diffusion of music videos. The MTV had effectively distributed a constant flow of music videos onto the market and thus laid the groundwork for the large scale diffusion of music videos. Once again I underline the fact that it is the end user hardware that is important because it specifically determines the type of video software to be produced.
Looking back, I think that the first breakthrough musical video that one could call a newborn child, was “Bohemian Rhapsody” by “The Queen” produced by Bruce Gowers in 1975. But, let us not forget that songs and music illustrated by moving images, directed and produced with imaginative fantasy that went way beyond a simple stage representation, had already been shown on television all around the world. They featured firstly Tony Bennett and in the late sixties The Beatles. The first short footage films that were made to promote music go back to 1939 when the “Mills Novelty Company” of Chicago invented and marketed the “Panoram” which was a wooden cabinet with a screen upon which images were projected from behind using a 16 millimetre celluloid film. These shorts were called “Soundies” that featured the Greats of Jazz ranging from Bessie Smith to Duke Ellington. It was just one continuous non stop sequence of 8 songs on one reel of black and white celluloid film. In other words it was a short musical film.
The only true anchestor of today’s music videos were the short one song colour films produced specifically for the Italian Cinebox that was manufactured by OMI, Ottico Meccanica Italiana di Roma (Italian Optical Mechanics) in Rome based upon the designs of its inventor Pietro Granelli (Rome 1918-Piacenza1975). The Cinebox was distributed by a company in Milan called SIF, Società Internazionale di Fonovisione (International Company of Sound and Vision) which was owned by the two brothers Angelo and Benvenuto Bottani.
The Cinebox ran 40 one song colour films that were individually selected from a push button control panel. It was officially presented to the press on the 11th of April 1959 and it was publicly christened by the great actor and film director Vittorio De Sica along with “The queen of Italian song” Nilla Pizzi who had won the San Remo Italian Song Festival of 1951.
According to the recollections of Paolo Emilio Nistri, who was the Chief executive of OMI and is currently the vice president of The Foundation of the Roman Savings Bank Cassa di Risparmio, the very first colour music video was of a song entitled “Altagracia” sung by the Cuban singer Don Marino Barreto Junior. It was produced in the Roman studios of the “Istituto Luce” (The institute of Light) by the film director Domenico Paolella and it was developed in the laboratories of “La Microstampa” owned by Franco Iasiello. This music video ”Altagracia” is beyond any reasonable doubt, the very first musical video that was ahead of its time.

More or less at the same time the French unveiled an invention that was curiously similar to the Italian Cinebox. It was called the “Scopitone”. It showed 36 musical films in colour. I do wonder where they got the idea from?

The “Scopitone” was presented at the Paris Fair the 14th of April 1960. That is to say, one year after the Cinebox had been unveiled in April 1959 in Rome. The Scopitone was designed by Fréderic Mathieu who at that time was the General Director of the “Compagnie d’application Mécaniques à l’Eletronique au Cinema et à l’Atomistique, (The company of electric mechanical applications in cinema and Atomistics) that was an affiliated company of the gigantic Paris based electronics company TSF (Telegraphie Sans Fil) (Telegraph without wires).
Mathieu did not copy the Cinebox of Engineer Granelli.

How can you be so sure he did not copy it?

Because I am convinced that the machines that ultimately became the Cinebox and the Scopitone in realty already existed and had been in use during the second World War in military intelligence.

War music?

No! I am reasonably sure these optical machines were in use in intelligence and spy work.
I must explain that both the Italian company CAMECA and their French counterpart were important industries in the military sector. Both were specialized in optical instruments for navigation and aerial photography that used stereoscopic images to make three dimensional maps. Just try to imagine the advantage during the war years of being able to push a button and instantly see a short film and a hear a commentary of a strategic target without having to rummage through many spools of films to find the right footage that refers to the right military target. Just like a computer of today!

Something like the spy satellites of today?

In a certain sense yes, but many years before Spy-Satellites existed. Futuristic thinking! Let us not forget that the Italian OMI had about a thousand employees on their payroll during the war and they had conceived and designed a new cipher machine as an alternative to the Enigma cipher. Also Umberto Nistri, the father of Paolo Emilio Nistri, was a friend and close collaborator of the famous military aviator Italo Balbo and he was a frequent visitor to the house of the reigning King Savoia. After the war the OMI company acquired the American government as a client and at the same time Umberto Nistri’s son, the industrialist Paolo Emilio Nistri, was a frequent visitor to the CIA in Langley and it was he who actually put the first Cinebox into production on the assembly line.

Enigma OMI

The original Top Secret Cipher machine that was used by the Italian Army, Navy and Air Force during the SecondWorld War. It was based on the principles and designs of the German Enigma cipher machine. Very limited numbers were manufactured from 1939 to 1940 by OMI (OtticaMeccanica Italiana) Nistri SA. It had five rotating disks for the codification and one rotating disk for writing. The keyboard had twenty-seven keys and a lever. Twenty-six keys were for the alphabet and one key was used for continuous movement.

What is it that makes you so sure that the Cinebox and Scopitone were actually functioning during the war?

In France during the nineteen fifties various inventors applied for patents for machines were very similar to the Scopitone. In some cases the applicants were taken to court. Eventually, all the law suites were won by the engineer Mathieu who was the patron of the firm CAMECA and he legally proved that the Scopitone project was already well underway just after the war when they were eagerly attempting to transform the enormous amount of obsolete war material into useful profit making machines.
This specifically confirms what I already believe, that is, the machines already existed and were functional and working during the war both in France and in Italy as automatic viewers of films that contained highly classified strategic objectives and their existence was kept secret for a long time. Obviously, whoever had used or come into contact with these new fangled futuristic optical machines had started to realize their potential and future commercial possibilities and decided to have a go at it. The enormous success during the early 1950’s of the Juke-Box certainly illuminated the musical path to follow so patents were eagerly applied for.
Strange but true, there has never erupted an argument or law suite as to who had effectively invented, patented and produced the first revolutionary Music Video Juke-Box. Evidently the high echelons of the two rival companies, the Italian OMI and the French CAMECA, both knew the truth, that their machines had already existed during the war, seemingly by gentleman’s agreement, they both went their own silent separate ways and never an argument ensued.

Did anybody ever confute Pietro Granelli’s paternity of the Cinebox?

No. In 1958, when some Italians were setting their sights on the French market, the CAMECA bought from an Italian Piedmontese inventor Teresio Dessilani (who had invented an inspired new type of electric razor) a patent that they then used in the development and making of the Scopitone.
In 1959 the Milanese lawyers Vincenza Bavaro e Mario Giacomini formed a company called MGS (Movie General System) and they then applied for a patent in France for a different type of projector of sound tracked films called the Moviebox, but it was never built. Later in1961 the designs of this project of Mario Giacomini were bought by Angelo Bottani, the owner of the company SIF Società Internazionale di Fonovisione (The International Company of Sound and Vision) who were manufactures and distributors of the Cinebox.

So in other words the competition between the Cinebox and the Scopitone was purely commercial and artistic?

Yes. In the early days, both the OMI and the CAMECA veered towards cinema aiming to reconvert obsolete war material into a profitable commercial enterprise. The acronym that forms the name of the company CAMECA specifically refers to “Cinema”. Also in the early fifties Paolo Emilio Nistri founded two new companies affiliated to OMI: The company Cinefilm concentrated on reducing the cumbersome celluloid film of 35 millimetres to a more manageable 16 millimetres and the other company Cineindustria aimed to acquire a new clientele and to distribute the more compact films of gauge 16 millimetres.
The boom in the sales of records (The worldwide success in 1958 of “Volare” sung by Domenico Modugno and in the same period revolutionary Rock and Roll and last but not least the French Author/Singers), convinced the Italians and their French counterparts that the market was ripe for the Video Juke-Box.

It seems strange that contraptions of war can become instruments that divulge peace and pleasure: they became the vehicles for the diffusion of music and dance that stimulated the younger generations.

It is stranger still, that after the OMI company went out of business the second series of Cinebox was produced by the MIVAL company situated in the North Italian town of Gardone Valtrompia in the county of Brescia. This new company was a subsidiary of the Beretta weapons and firearms. In fact, more often than one thinks, armaments and music seem to travel side by side. During the second world war many of the big record companies worked for the military and some continued in intelligence work long after the end of the war. It comes to mind the American troops in 1944 advancing through a war torn devastated Italy. The smiling soldiers won the hearts of the Italians with chewing gum, chocolate and cigarettes but their most long lasting gift was their wonderful happy go lucky Jazz and Boogie Woogie music. I often wonder if the Devils Rebel Rousing Rock and Roll of the fifties was a natural occurrence or if it was orchestrated from Up on high by a Big Brother because it completely seduced and subdued the younger generation and gave them a spontaneous and creative outlet for all the pent up sensations within that could have easily burst out and flowed in a less positive direction.

Selected books:

– Michele Bovi: “Da Carosone a Cosa Nostra, Gli Antenati del Videoclip – From Carosone to Cosa Nostra, Ancestors of the Music Video” (Coniglio Editore, 2007)
– Jean-Charles Scagnetti: “L’Aventure Scopitone 1957-1983” (Autrement, Francia 2010)
– Henry Keazor, Thorsten Wübbena: “Rewind, Play, Forward: The Past, Present, Future of the Music Video” (Paperback, Germania 2010)
– Bob Orlowsky: Scopitone Archive, Washington USA (
– Gert J. Almind: Danish Jukebox Archive, Silkeborg Danimarca (



Bruno Quirinetta in “Gente da Night Club” di Michele Bovi, Tg2 Dossier RAI, 31 dicembre 2006.


– Peppino Di Capri, cantante
– Roby Matano, cantante
– Raf Montrasio, chitarrista di Renato Carosone
– Aldo Pagani, percussionista di Renato Carosone
– Bruno Guarnera, chitarrista di Marino Marini
– Mauro Chiari, musicista
– Peter Van Wood
– Jack La Cayenne, ballerino e fantasista
– Riccardo Del Turco, cantante
– Umberto Gallone, insegnante di spogliarello
– Franco Barbera, proprietario di night-club
– Khalil Gabriel Nahas, impresario teatrale

– Bruno Quirinetta e la sua Orchestra
– Peppino Di Capri e i suoi Rockers
– Don Marino Barreto Junior
– Marino Marini e il suo complesso
– Renato Carosone e il suo complesso
– Dodo d’Hambourg
– Feline
– Jack La Cayenne
– Rod Castel
– Fatima Robin’s
– Wera Nepi
– Abbe Lane
– Ella Fitzgerald
– Chet Baker e Stan Getz
– Armandino Zingone e il suo complesso
– Lucio Battisti
– Mina
– Giorgio Gaber
– Riccardo Rauchi con Sergio Endrigo
– Peter Van Wood e il suo complesso
– Bruno Martino e il suo complesso
– Franco e i G5
– Quartetto Cetra
– Gilbert Becaud
– Roby Matano e i Campioni
– Fred Bongusto e il suo complesso
– Bruno Martino
– Luciano Fineschi e il suo complesso
– Ray Martino
– Fred Buscaglione i i suoi Asternovas
– Nicola Arigliano
– The Primitives
– Patty Pravo

Il fascino discreto del Night-Club


Raf Montrasio

Raf Montrasio, chitarrista di Renato Carosone.

Storie d’amore di 15 giorni, o meglio 15 notti, quelle della durata dell’ingaggio dei “numeri” del Floor Show, lo spettacolo di mezzanotte e delle 2 che nei locali notturni interrompeva le danze. I componenti dell’orchestra, ovvero il complesso, dai 4 ai 7 elementi, erano i poteri forti dell’animazione. Sensibilità artistica mista a psicologia nel tradurre in musica i gusti degli avventori, disciplina nel rapporto col caporchestra, elasticità nell’orario di prestazione per accontentare i tiratardi, spirito di adattamento nella convivenza non soltanto coi colleghi ma anche con camerieri ed entraineuses, discrezione con tutti costituivano il Mestiere, carta dei valori dell’orchestrale. La perizia nell’uso dello strumento era importante, ma non poteva prescindere dal resto: il night-club era un’azienda, intrattenimento leggero per i frequentatori, impegno rigoroso per gli addetti ai lavori. Flirt a parte. Era apprezzabile che il musicista piacesse al pubblico, alle mogli e alle figlie dei commendatori, pazienza se calamitava anche gli sguardi delle soubrette.
Il night-club degli anni Cinquanta era il ritrovo insostituibile della borghesia. Frequentato dai vip della finanza, della politica, dello spettacolo, con le mogli, con le fidanzate, con le compagne ufficiali. In particolare il sabato sera luogo di ricreazione famigliare con qualche brivido di trasgressione in quello spettacolo di mezzanotte in cui le calze a rete delle ballerine e l’ultimo atto dello spogliarello – con il reggiseno che cadeva lasciando in mostra i capezzoli protetti da stelline di cartone argentato – facevano la peccaminosa differenza con l’abbigliamento castigato del varietà televisivo.

The Landi Girls del Casino di Sanremo

The Landi Girls del Casino di Sanremo.

Ballerine del Teatro Alfieri di Torino nel 1962

Torino, le ballerine del Teatro Alfieri attrazione consueta del Floor Show al Chatham Bar, marzo 1962.

Quella sorta di Agorà coi lustrini terminava all’una. L’orchestra continuava, con un ricambio di pubblico: nuove coppie, o mariti di ritorno dopo aver accompagnato a casa consorti e prole. Luci più soffici, canzoni più sussurrate, i bisbigli e le risate delle entraineuses, i tappi dello champagne, la sordina alla tromba, le spazzole ad accarezzare il rullante, i brani a gentile richiesta, le mance al cantante, il bourbon offerto ai musicisti. Fino alle 2, per il secondo Floor Show, più intimo ma senza sostanziali infrazioni al comune senso del pudore. Poi ancora musica, fino al saluto dell’ultimo habitué. Quindici minuti per sistemare gli strumenti nelle custodie, per cambiare d’abito, per compilare il borderò della Siae, e via nell’unica trattoria disposta a rifocillare la fauna di quell’ora: pizze e sangria per malavitosi ed artisti. Così ogni sera, per tutto l’anno, da settembre a maggio in città, da giugno a fine agosto sull’Adriatico o sul Tirreno.

Dossena Rock Ballet

Il Dossena Rock Ballet al Santa Tecla di Milano, 1960.

Il night-club nasce nell’immediato dopoguerra, erede del tabarin: ospita la frenesia di dimenticare e di ricominciare, contagiato fin dal nome dalla lingua dei vincitori. Americano è il grosso del repertorio musicale, americani sono i modelli Cole Porter, Count Basie, Glen Miller, Louis Armstrong; americanizzati sono i nomi di molti nostri musicisti: pullulano i Frank, i Fred, i Tony, i Joe, i Jack.
È il 1946 e il primo caporchestra re del night-club italiano si chiama Bruno Quirinetta (all’anagrafe Bruno Baldini), veneziano, alla guida di un complesso di sette elementi. Quirinetta canta e soprattutto anima le serate: coinvolge il pubblico come soltanto i più popolari crooner americani riescono a fare. ‘Stardust’, ‘Laura’, ‘Bahia’ ‘Granada’, ‘Le Feuilles mortes’, ma anche ‘Munastero ‘e Santa Chiara’ e ‘Torna a Surriento’ sono i suoi pezzi da bis. Resterà il più ricercato per almeno 10 anni, stabilendo una svolta anche per l’organizzazione del lavoro: è lui ad inventare il non-stop musicale che abolisce l’interruzione di 10 minuti ogni 3 pezzi. Scrive canzoni ed incide dischi, il più famoso è dedicato alla sua Venezia: “Vecio gondolier”.

Bruno Quirinetta

Bruno Quirinetta e il suo complesso.

I più accreditati colleghi di Quirinetta in quel primo periodo sono Cosimo Di Ceglie, Felice Daccò, Dante Galletta, Tino Fornai, Tullio Mobiglia, Roberto Pregadio, il Trio Stella con Bruno Canfora, Armandino Zingone. I capi orchestra scritturano i musicisti attingendo nei gruppi jazz, nell’orchestra Ferrari che già da prima e durante la guerra ha suonato nei varietà trasmessi dalla radio, nelle bande dei paesi per reclutare i fiati. Nel 1946 un orchestrale di night-club guadagna attorno alle 400 lire per sera, ma la moda del locale notturno è in rapida espansione come il mercato del lavoro e anche le paghe dei suonatori lievitano in fretta. Gli anni d’oro del night-club sono quelli del boom economico: i Cinquanta e i primi Sessanta, finchè il fenomeno beat lo spazzerà via dal 1965 in poi. Il killer del night-club si chiamerà Dancing, quando i faretti stroboscopici di Piper, Titan, Vun Vun e Bang Bang debiliteranno le postdannunziane insegne di Astoria, Capriccio, La Porta d’Oro, Pipistrello, El Marocco, Maxim’s, Rangio Fellone.
Raf Montrasio, il musicista che ha aperto questo racconto, è stato un protagonista degli anni d’oro bainait. Studia violino e contrabbasso, ma passa presto alla chitarra per debuttare come professionista nel 1953 in una delle formazioni più quotate, l’orchestra di Armandino Zingone. Raf ha una chitarra Mogar, fabbricata in Italia dagli importatori della Gibson che utilizzano gli stessi magneti dello strumento americano; anche l’amplificatore è made in Italy: un Binson costruito a Milano. “La moda di Fender e Gibson, degli amplificatori Vox e Marshall prese piede anni dopo, con il rock e poi con il beat – spiegava Montrasio – Così come i batteristi italiani, prima che si imponesse Ringo Starr, preferivano alla Ludwig prevalentemente strumenti Premier o Gretsch”. Non esiste ancora la tastiera: ogni locale ha un pianoforte e nemmeno esiste il basso elettrico, c’è il contrabbasso abitualmente affidato ad un musicista “farlocco”. “Sì, il contrabbassista nell’orchestra da night-club era uno che faceva soltanto finta di suonare – ricordava Montrasio – In compenso possedeva una bella voce. Siccome i proprietari dei locali storcevano il naso nell’iscrivere a libro paga un elemento che si limitasse a cantare, i capi orchestra avevano escogitato l’abbinamento con il contrabbasso, che non veniva microfonato. Poi per i dischi si ingaggiava un turnista: in quelli delle mie orchestre ero io a suonare sia la chitarra che il contrabbasso”. Gli altri però erano musicisti provetti. “Magari non virtuosi dello strumento – osservava Montrasio – ma era fondamentale che sapessero leggere la musica a prima vista. Perché bisognava accompagnare i numeri di attrazione: i balletti, gli spogliarelli e tutte le altre esibizioni erano orchestrati dal vivo. Il play-back era un termine blasfemo. E c’era sempre poco tempo per le prove: l’artista consegnava ai suonatori gli spartiti e via maestro col sottofondo. I repertori poi erano sì catturati dai dischi americani, latini, francesi, ma ogni caporchestra arrangiava il brano alla propria maniera, pertanto la musica era tutta scritta, anche per i batteristi, guai a sottovalutare una biscroma”.
Nel 1957 Montrasio entra a far parte del complesso di Renato Carosone, che equivale all’ingresso nella storia. Un balzo in avanti confermato anche dallo stipendio: con Armandino Zingone il chitarrista guadagnava 1.800 lire per sera, con Carosone la paga quotidiana schizza a 15 mila lire.

Aldo Pagani, Piero Giorgetti, Raf Montrasio, Renato Carosone, Gegè Di Giacomo, Tonino Grottola, Gianni Tozzi

Da destra: Aldo Pagani, Piero Giorgetti, Raf Montrasio, Renato Carosone, Gegè Di Giacomo, Tonino Grottola, Gianni Tozzi (Nella foto i componenti della band hanno tutti gli strumenti scambiati, ndr).

Gianni Tozzi, Aldo Pagani, Piero Giorgetti, Renato Carosone, Gegè Di Giacomo, Raf Montrasio, Tonino Grottola

Da sinistra: Gianni Tozzi, Aldo Pagani, Piero Giorgetti, Renato Carosone (e dietro Gegè Di Giacomo), Raf Montrasio, Tonino Grottola (In questa foto hanno i rispettivi strumenti, ndr).

Carosone è del 1920, pianista diplomato al Conservatorio di Napoli, già forte di un lustro d’anni di esperienza nei locali di Addis Abeba, tornato in patria aveva creato nel 1949 un trio con il chitarrista olandese Peter Van Wood e il batterista Gegè Di Giacomo.

Renato Carosone presenta Gegè di Giacomo e il suo complesso “‘O pellirosse” (Cinebox, 1961).

Poi Van Wood decide di lavorare in proprio, forma un suo gruppo, compone ed incide brani deliziosi come ‘Butta la chiave’ e diventa una voce e una faccia popolare di radio e tv, restando un protagonista nei calendari dei night-club della penisola. Ma Carosone nella seconda metà dei Cinquanta è famosissimo. Con l’ingaggio di Montrasio alla chitarra la formazione vede al piano sua maestà Renato, confermato alla batteria Gegè Di Giacomo, ai sax Tony Grottola e Gianni Tozzi, con Aldo Pagani che suona vibrafono e marimba e Piero Giorgetti che canta e nel rispetto della tradizione fa finta di suonare il contrabbasso. “Il 1957 fu l’anno trionfale di ‘Torero’ – racconta Aldo Pagani, classe 1932, originario di Saronno come il collega Montrasio – La canzone era stata scritta per una tournée in Spagna ma spopolò in Italia come in tutto il mondo, tradotta in una decina di lingue. Carosone volle aggiungere alla sua musica il suono esotico della marimba: per questo venni ingaggiato io. Provenivo da un trio di night-club con Tony De Vita e Marcello Minerbi: suonavamo all’Astoria di Milano. Mi ritrovai un mese dopo con Carosone alla Carnegie Hall di New York”. ‘Torero’ scalò il vertice della Hit Parade statunitense e Carosone fece da apripista all’exploit dell’anno successivo di Domenico Modugno, “Mister Volare”.

Marino Marini e il suo complesso

Marino Marini e il suo complesso.

La popolarità planetaria di Carosone era altresì seconda, soprattutto in Europa, a quella di un’altra formazione italiana da night-club, l’orchestra di Marino Marini. “A Parigi con Carosone suonammo all’Alhambra, ribalta di assoluto prestigio, ma eravamo la ‘vedette americana’, ovvero la seconda orchestra: in primo piano c’era la cantante Zizi Jammaire – raccontava Raf Montrasio – Negli stessi giorni l’orchestra Marini era l’attrazione numero uno dell’Olympia, il tempio mondiale dello spettacolo”. Marino Marini (1924-1992) originario di Grosseto ma romagnolo di adozione, è celebre in Francia come in Olanda, in Giappone come in Germania. Suona nei night-club dal 1948, ma collabora anche con Renato Rascel nella composizione delle musiche delle sue riviste. Mentre il repertorio di Carosone è principalmente d’impronta personale, con brani napoletani arrangiati in assonanze sudamericane, quello di Marini è un autentico compendio di musica da night-club: vastissimo, rigorosamente ballabile, ricco di cover italiane universali come ‘Guaglione’ e ‘Piove’ o straniere come ‘Itsy Bitsy’ di Brian Hyland trasformata con successo in ‘Pezzettini di bikini’, il tutto confortato da una produzione personale con canzoni celebrate in patria ed esportate ovunque come ‘La più bella del mondo’, ‘Non sei mai stata così bella’, inclusi astuti brani-passaporto quali ‘Tel Aviv’ e ‘Amore a Palma di Mallorca’.

Quartetto Marino Marini “Tel Aviv” (Cinebox, 1963).
Bruno Guarnera

Il chitarrista di Marino Marini, Bruno Guarnera.

Marino Marini e il suo complesso

Marino Marini e il suo complesso.

Così come la formazione di Carosone, in cui il batterista Gegè è conosciuto almeno quanto il caporchestra, anche quella di Marini gode di ampia visibilità televisiva. La voce solista è Ruggero Cori – col solito contrabbasso afono – poi sostituito da Vito Benvenuti; Marini è il pianista e suo cognato Angelo Piccaredda suona la batteria; alla chitarra c’è Toto Savio poi rimpiazzato da Bruno Guarnera. “In Italia eravamo l’orchestra da night-club per eccellenza, all’estero degli autentici divi – racconta Bruno Guarnera, classe 1939, bolognese – nello stadio di Mosca suonammo davanti a 100 mila spettatori. A Londra nel 1960 venne ad accoglierci all’aeroporto una Roll-Royce scoperta e nel tragitto fino all’hotel fummo acclamati da una folla che avremmo rivisto soltanto anni dopo, nei filmati dei Beatles”. Va detto che lo stesso Paul McCartney ha raccontato che quando i Beatles, all’epoca sconosciuti, suonavano ad Amburgo, appena possibile andavano ad assistere alle esibizioni nel night-club più esclusivo della città dell’orchestra di Marino Marini, che peraltro ritenevano di nazionalità spagnola.

Gino Corcelli

Gino Corcelli.

Armandino Rosati e il suo complesso

Armandino Rosati e il suo complesso.

Armandino Rosati.

Armandino Rosati.

Per tutti gli artisti di night-club la periodica trasferta all’estero era consuetudine consolidata. Rientrava nella norma sancita dagli impresari che coniugavano il ruolino di marcia delle orchestre con la programmazione dei circa 300 locali italiani e il circuito internazionale, compreso il calendario delle navi da crociera. Anche la figura dell’impresario dell’orchestra da night-club nasce nell’immediato dopoguerra: inizialmente si chiama procuratore di artisti, poi anche il suo nome si allinea al dizionario anglosassone e diventa manager. Le agenzie più attive negli anni d’oro del night-club sono le romane Tagliaferri, Minasi e Gerini; le milanesi Berri, Sabbatucci e Scaffidi: la modenese Bernabei; la sanremese Valdinoci; le fiorentine Moschini e Bentivoglio.
Piero Bentivoglio, classe 1920, è originario di Siena. Durante la guerra è il pianista del complesso Millepiedi: suonano nei circoli rionali fiorentini, nei dopolavoro del pubblico impiego. Poi arrivano gli americani, vogliono music-and-dance e ai Millepiedi non di rado capita di esibirsi nello stesso giorno anche in tre posti diversi, piste da ballo ricavate nelle sedi della Red Cross, della Military Police, negli alberghi requisiti dalle forze alleate. Scoppia la pace con la smania di oblio e svago, debutta l’avventura dei locali notturni e i Millepiedi trasferiscono strumenti e repertorio nel Pozzo di Beatrice, primo night-club fiorentino. “Suonavamo anche per Radio Firenze, diretta da Silvio Gigli – ricorda Bentivoglio – Mi mancavano tre esami alla laurea in scienze politiche ma gettai gli studi alle ortiche per l’orchestra di cui ero anche il manager. Poi, nel 1948, per ragioni di salute lasciai il pianoforte e cominciai a dedicarmi esclusivamente al lavoro di agenzia. Sono stato il manager di tutti i migliori artisti italiani e posso affermare che tutti i più grandi sono nati o cresciuti nel night-club. Fui tra i primi a scommettere su Sergio Endrigo. Era il 1955, lo incontrai a Venezia e lo scritturai per l’Orchestra di Vittorio Buffoli: 2 cantanti, Sergio voce e contrabbasso, e Fred Bongusto voce e chitarra. Due galletti di razza che riuscii a far convivere e portare assieme in trasferta a Beirut, dove all’epoca operavano i night-club più all’avanguardia del mondo. Le parentesi all’estero erano fondamentali per gli artisti: equivalevano a corsi di aggiornamento, si confrontavano con la realtà e la musica e i ritmi internazionali. Al ritorno rinnovavano mezzo repertorio e friggevano di entusiasmo. Inoltre all’estero si guadagnava di più che in Italia e i nostri corrispondenti di agenzia coadiuvavano con attenzione le orchestre dal momento della sistemazione logistica a quello del versamento dei contributi”.
Al ritorno da Beirut i “galletti di razza” Sergio e Fred si dividono. Sergio Endrigo (Pola, 1933-2005) è ingaggiato come cantante (col solito contrabbasso a seguito) nella formazione di Riccardo Rauchi (Roma, 1920-1982) eccellente sax contralto che prima di affermarsi come titolare di una delle orchestre più rinomate del night-club italiano aveva militato nel complesso di Carosone.

Fred Bongusto

Fred Bongusto, Berlino, ottobre 1962.

Fred Bongusto (Campobasso, 1935) entra a far parte in veste di cantante-chitarrista dei Quattro Loris; il leader è il pianista Loris Boresti, vecchio amico di Sergio Endrigo di cui diventerà successivamente l’accompagnatore musicale. “Conobbi Sergio nel 1952 – racconta Loris Boresti, classe 1927, veneziano – me l’aveva segnalato Italo Donaggio, pluristrumentista padre di Pino. Lavorammo assieme anche in quello che viene considerato il capostipite dei night-club italiani, il Martini Scala di Venezia, negli anni Trenta ardito ed elegante tabarin, prediletto da Gabriele D’Annunzio. Sergio era perfetto per il night-club: repertorio inglese, francese, sudamericano, testi autentici e non lingue maccheroniche come molti usavano azzardare in quell’epoca. Nel 1959 gli proposi di tornare a suonare assieme. Mi rispose che aveva deciso di restare a Milano, per tentare la carta discografica. Fece la cosa giusta e dieci anni più tardi mi volle come suo pianista”.
Nella seconda metà degli anni Cinquanta il night-club italiano vive la fase di più intensa luminosità. I locali di prima scelta sono una cinquantina, almeno 200 quelli di seconda, più altri cinquanta postacci spennaclienti. Tutti hanno bisogno di orchestre e i night-club rinomati – e quelli che aspirano a diventarlo – ne richiedono 2 per sera. C’è la prima orchestra e quella di spalla adibita ad accompagnare i numeri del Floor Show: mai un attimo di pausa, nemmeno per il cambio dei musicisti che effettuano il passaggio di consegne sulle note di ‘Blue Moon’, suonata in Do maggiore o in Mi bemolle se una delle due orchestre schiera fiati.
Il reclutamento dei musicisti, che cambiano spesso soprattutto a causa della ferma militare, di regola avviene in tre luoghi atipici: la Galleria del Corso di Milano, la Galleria Colonna di Roma, la Galleria Umberto di Napoli.
A Quirinetta, Armandino, Carosone, Van Wood, Marini, a Rauchi che ha sostituito al microfono Sergio Endrigo con Riccardo Del Turco (cognato di Endrigo), nell’empireo del night-club si è aggiunta da tempo un’orchestra specializzata in musica sudamericana: il sestetto di Franco e i G5, il cui leader Franco Rosselli, batterista e cantante fiorentino, contende a Quirinetta la fama di irresistibile trascinatore di platee.

Franco Rosselli e i G5

Franco Rosselli, leader di Franco e i G5.

È invece effettivamente cubano Don Marino Barreto Junior (1925-1971) che diventa stella del nostro night-club e beniamino del pubblico televisivo italiano. È leccese Ray Martino, il nostro esecutore più ferrato sul repertorio nordamericano; è torinese Luciano Fineschi, trombonista appassionato di Glen Miller. Torinese è anche Fred Buscaglione, il più originale ed innovativo degli artisti del genere. Buscaglione (1921-1960) ha una solida preparazione musicale, suona diversi strumenti e sfoggia voce e stile personalissimi. I brani del suo repertorio sono per lo più composti da lui assieme a Leo Chiosso, paroliere ed amico inseparabile. “Non era il repertorio un po’ impersonale tipico del night-club, bensì un abito di brani cucito a misura sul suo personaggio e la gente inizialmente mostrava di non apprezzare appieno il temperamento di questo eccezionale showman – racconta Piero Bentivoglio, che fu manager di Buscaglione – Una sera a Santa Margherita Ligure sfogò con me tutta la sua amarezza per l’incomprensione del pubblico: voleva smettere. Fu la televisione ad aiutarlo: il piccolo schermo dava l’adeguato risalto alla sua esilarante maschera di duro, alle sue canzoni esplosive con quei testi spassosi ed unici. E i night-club, con Fred e gli Asternovas, cominciarono a ottenere il tutto esaurito”. Negli Asternovas militano Giulio Libano alla tromba, Giorgio Giacosa al sax, Berto Pisano al contrabbasso, Franco Pisano alla chitarra, Piero Silvestri alla batteria e Carletto Bussotti al piano (poi sostituito da Dario Arrigotti).
Le incomprensioni lamentate da Buscaglione erano in realtà fisiologiche alla natura del night-club, un luogo dove il pubblico andava per danzare, per incoraggiare un approccio tenero, per flirtare. Da guardare c’era soltanto il Floor Show, i numeri dei fantasisti, lo strip-tease, le ballerine, ma l’orchestra non era uno spettacolo a cui assistere da seduti, era musica da ballo. E questo non significava indifferenza nei confronti degli artisti: un guancia-a-guancia mentre Bruno Martino cantava ‘Baciami per domani’ era considerato per tutto il suo valore.

Clem Sacco accanto alla locandina di Bruno martino

Clem Sacco al Lido Trianon di Milano accanto alla locandina di Bruno Martino, 1963.

Bruno Martino (1925-2000), originario di Roma, esordisce come pianista jazz. Nel 1944 viene scritturato dall’orchestra della Rai diretta da Piero Piccioni. Ma il suo indirizzo artistico è il night-club. E va all’estero ad acquisire pratica. Suona e canta per una decina di anni nei locali notturni del Nordeuropea, poi torna in Italia con un bagaglio di esperienza impareggiabile che mette a frutto grazie a un timbro di voce suadente e alla genialità di comporre brani in osmosi con l’atmosfera del night-club. Lo stile di Martino è sostanzialmente emblematico del genere: inconfondibile ma per nulla invadente. Misurato. “Bruno Martino, Fred Bongusto e Peppino Di Capri erano i re del night-club.

Peppino Di Capri e i suoi Rockers

Peppino Di Capri e i suoi Rockers, 1960.

È un luogo comune, che per quanto mi riguarda non corrisponde a verità – osserva Peppino Di Capri, classe 1939 – Martino lo era a tutti gli effetti. Io invece ho vissuto per pochissimo tempo l’ambiente del night-club. Ho debuttato nel 1953 al Number Two, poi ho suonato al Gatto Bianco, entrambi a Capri. Nel 1956 feci la mia prima apparizione in tv e da quel momento ho cambiato genere: più attrazione che orchestra da night. Preferivo avere gli occhi del pubblico puntati su di me, anche se ciò comportava un impegno maggiore. O comunque un impegno diverso. L’orchestra da night aveva orari più lunghi di lavoro, in compenso poteva concedersi qualche disattenzione: una stonatura, una stecca scivolavano via senza suscitare disappunto”.
Rare le presenze femminili nelle orchestre. Due su mille. C’è Fatima Robin’s, moglie di Buscaglione, che si afferma come cantante. Fred aveva conosciuto Fatima Ben Embarek, originaria del Marocco, nel corso di una scrittura presso un night-club di Lugano, il Cecile. Lei si esibiva in numeri di acrobazia e contorsionismo nel Trio Robin’s.
E c’è Wera Nepy, lombarda, rossa dalla voce potente e sensuale, moglie di Paolo Cazzaniga, proprietario di uno dei night-club più in voga a Milano: El Marocco.

Ballerine night club

Eppure la donna è protagonista assoluta in quel genere di intrattenimento, di cui l’erotismo è l’essenza superiore. Il Floor Show, lo spettacolo che interrompe le danze, è l’apoteosi del richiamo sessuale. 60 minuti, tra numeri di comici, fantasisti, ballerine e – perla nell’ostrica – lo strip-tease. Le vedette internazionali che hanno fatto dello spogliarello un’Arte si chiamano Miss Fortunia, Rita Cadillac, Vera Little, Ida Frascati, Carolina Von Sirowetz, Rita Renoir, Dodo d’Amburgo.

Locandine spettacoli night-club: La Nave, La caravella d'Oro, Rita Renoir

“Erano numeri di inappuntabile eleganza, mai una caduta di stile, bandito ogni indizio di volgarità. Altroché cubiste di oggi!” racconta Jack La Cayenne. Alberto Longoni, classe 1937, originario di Giussano, debutta ragazzino nel 1952 all’Embassy di Milano come ballerino-comico: guadagna mille lire per sera. È figlio di un bravo musicista e a sua volta suona il violino. Ma soprattutto ha un corpo e un viso duttili come la gomma. Lui cammina e tu ridi. Con il nome d’arte di Jack La Cayenne fa ripetutamente il giro del globo, è tra i comici più richiesti nei night-club di tutto il mondo. “Il Floor Show iniziava con il balletto, il più prestigioso era quello delle Bluebelles, ragazze che una scuola di Londra sfornava periodicamente: tutte uguali, alte 1.80, poco seno, occhi magnetici e gambe lunghe – ricorda Jack La Cayenne – poi venivano un paio di fantasisti, un giocoliere come lo spagnolo Brum o un illusionista come il californiano Channing Pollock; seguiva il numero di arte varia, come le Rudas Dancers, danzatrici acrobatiche australiane o Tum-Tum il nano cantante portoricano; poi c’era il mimo-comico, come me o il francese Gerard Satie o l’inglese Dave Parker. E infine l’attesissimo strip-tease, otto minuti di ipnotismo incandescente. La più incantevole? Dodo d’Amburgo nel numero della vedova nera. Il balletto tornava per chiudere lo spettacolo”.

Ballerine night-club

A gestire calendari ed ingaggi delle vedette internazionali erano principalmente 3 agenzie di Milano: quelle degli impresari Sacchi, Ivaldi e dei fratelli Schiavoni. Ma molti tra i proprietari dei night-club più prestigiosi si adoperavano anche in veste di manager. Come Angelo Rosolino, patron dello Shaker di Napoli, il primo a credere in Carosone e Van Wood, o Lino Cruciani titolare della Rupe Tarpea di Roma, che ospitò a lungo due giovanissimi chansonniers francesi: Gilbert Becaud e Charles Aznavour.
Una cinquantina di night-club di serie “A”, oltre duecento di serie “B”, altri non classificati. “La differenza la faceva l’ambiente, le entraineuses innanzitutto. Discrete, quasi invisibili fino a notte fonda nei locali alla moda; evidenti se non addirittura impetuose via via che la qualità diminuiva – racconta Roby Matano, caporchestra dei Campioni – Non accadeva altrettanto con gli artisti. Anche nei night-club più modesti suonavano orchestre inappuntabili, perché i clienti delle ultime ore, nottambuli dai mestieri indefiniti e dai portafogli gonfi, pertanto autorevoli agli occhi del proprietario, avevano gusti raffinati in termini di musica. Al padrone, in tutta Europa, erano concessi tre giorni per confermare l’orchestra o protestarla”.
Roby Matano, nato nel 1934 a Cisterna di Latina, diventa il cantante dei Campioni nel 1958, preceduto da Tony Dallara e da Corrado Lojacono. È un complesso di rango, uno dei pochi ad affacciarsi alla ribalta televisiva de Il Musichiere di Mario Riva. Dal 1958 al 1965 Roby Matano e i Campioni sono orchestra stabile per tre mesi l’anno nel night-club del Casinò di Sanremo. Nel 1963 entra a far parte del complesso un nuovo chitarrista, Lucio Battisti, sostituisce il jazzista Nino Grassi. “Lucio aveva già fatto esperienza di night-club suonando nell’orchestra di Leo di Sanfelice – ricorda Matano – con lui debuttammo alla Rupe Tarpea di Roma poi partimmo per un lungo contratto in Olanda. Il night è stata una scuola determinante nella formazione artistica di Battisti come per tanti altri musicisti dell’epoca, divenuti in seguito famosi, come i pianisti Enzo Jannacci e Memo Remigi, il chitarrista Giorgio Gaber, i cantanti-bassisti Riccardo Del Turco e Gigi Proietti”.

Lucio Battisti con l'orchestra "Gli Svitati di Leo di San Felice"

Lucio Battisti (in alto a destra) in una foto dell’orchestra "Gli Svitati di Leo di San Felice", scattata a Sciaia nel 1962; il bassista, Mauro Chiari (il ragazzo con le mani sulla testa), successivamente fondatore del gruppo beat Le Pecore Nere dirigerà l’orchestra di Quelli della notte di Renzo Arbore.

Il night-club è pratica di mestiere e di vita, è lavoro continuativo e decorosamente remunerato, ma è anche esercizio di faticosa routine. “La lamentela che circolava solitamente era: io sono un artista, ma conduco un’esistenza da impiegato, con l’aggravante di vivere in antitesi coi miei simili: lavoro di notte e dormo di giorno – racconta Riccardo Del Turco, fiorentino, classe 1941 – Quella dell’orchestrale di night-club in buona sostanza era un’attività di servizio, da altruisti. Per sua natura l’artista necessita di diversa gratificazione. Esibirsi mentre le coppie ballano, si corteggiano, si baciano per molti era mortificante. Per questo tanti colleghi al night-club preferivano le feste di piazza, nei paesi, o le balere: meno continuità ma più visibilità”.

Il compromesso lo escogita Sergio Bernardini con La Bussola di Focette a Marina di Pietrasanta: nasce come night-club ma si trasforma presto in elegante salotto di attrazioni. Inaugurato nel 1955 con il Trio Carosone, il locale divide la serata in due momenti: quello del ballo con l’orchestra di base e quello della vedette, che non è soltanto il numero di varietà internazionale bensì anche il cantante da ascoltare e guardare, da seduti. Qui passano tutti, da Ella Fitzgerald a Ginger Rogers, da Marlene Dietrich a Josephine Baker, da Juliette Greco a una esordiente Mina. E la Bussola resta per dieci anni il sogno di tutti i musicisti: un palco vero, simile a un teatro, con un pubblico che ti giudica, applaude e fischia.
Con gli anni Sessanta, il rock, il beat, i locali da ballo, pomeridiani e notturni, si moltiplicano in città e nelle località di villeggiatura. Il genere night-club resiste fino a metà decennio poi è costretto al bivio: conversione o chiusura. Scompaiono i Floor Show, le entraineuses, arrivano i capelloni: un ragazzo su 30 strimpella uno strumento, uno su cento diventa musicista per diletto. E finalmente i bassisti hanno l’amplificatore acceso e suonano sul serio. Anche se più nessuno sa leggere lo spartito.

Michele Bovi con Gegè Di Giacomo

Michele Bovi con Gegè Di Giacomo, 1976.


Riccardo Rauchi e il suo complesso “African Waltz” (Cinebox, 1961).

Le migliori formazioni italiane di Night-Club (1946-1959)

Orchestra Bruno Quirinetta |
Orchestra Tullio Mobiglia |
Trio Stella con Bruno Canfora |
Renato Carosone |
Cosimo di Ceglie |
Felice Daccò |
Dante Galletta |
Tino Fornai |
Roberto Pregadio |
Armandino Zingone |
Orchestra Tosoni |
Franco e i G5 |
Marino Marini e il suo quartetto |
Gastone Parigi e la sua orchestra |
Ray Martino |
Corrado Lojacono |
Renato Sambo |
Franchino Camporeale |
Don Marino Barreto Junior |
Orchestra Pippo Starnazza |
Riccardo Rauchi e il suo complesso |
Umberto Benni |
Luciano Fineschi |
Fred Buscaglione e gli Asternovas |
Enzo Ceragioli |
Orchestra Puleo |
Pino Spotti |
Sestetto Righi e Saitto |
Bruno Martino e il suo complesso |
I Campioni |
Giovanni Fenati |
Franco Bracardi |
Trio Tony De Vita |
I Quattro Loris |
Toto Ruta |
Piero Giorgetti |
Franco Zauli |
Henghel Gualdi |
Eddie Caruso |
Raul Magrini |
Armandino Rosati |
Fred Bongusto |
Peppino Di Capri e i suoi Rockers |
Michelino e il suo complesso |
Gian Costello |
I Rocky Mountains |
I Campanino |
Gene Colonnello |
Renato Sellani |
Memo Remigi |
Piergiorgio Farina.

Peppino di Capri e i suoi Rockers “Com’è bello” (Cinebox 1961).
Gastone Parigi e il suo quintetto “Brigitte Bardot” (Cinebox 1962).


I Nobili, “C’era una volta” (Cinebox, 1961).

I migliori Night-Club italiani (1946-1959)

84 da Oliviero |
Rupe Tarpea |
Belvedere delle Rose (estivo della Rupe Tarpea) |
Il Pipistrello |
Il Capriccio |
Cabala |
Open Gate |
L’Angolo di Roma |
Casina delle Rose |
Grotte del Piccione |
Taverna degli Artisti |

Astoria |
Porta d’Oro |
El Marocco |
Le Roi |
Maxim’s |
Caprice |
La Punta dell’Est |


Shaker |
Lloyd |
Miramare |

Rangio Fellone |
Il Rosso e il Nero |

Il Pipistrello |
Il Gatto Bianco |
Cagliostro |
Number Two |

Antenna Verde |

River Club |
Il Pozzo di Beatrice |

Caprice |

La Bussola |
Carillon |

La Capannina |
La Caravella |

Oliviero |

L’Arlecchino |
Le Roi |
Chatham Bar |

Il Carillon (Paraggi) |

Barracuda |
Covo di Nord-Est |

Night-Club del Casinò |

Embassy |
Lady Godiva |

Savioli |

La Caravella |
La Stalla |

Martini Scala |
Lido del Casinò |
La Perla |







Il tema della censura affrontato con allegria su Raiuno in una puntata di DaDaDa del 2010. Il conduttore è Tomas Milian, ospite per l’occasione della casa (con Juke-Box) di Michele Bovi. Particolarmente significativi gli interventi in proposito di Giorgio Gaber e Gino Paoli. Esilaranti i commenti di Tommaso Zanello (er Piotta).

Tomas Milian conduce “DaDaDa – I Censurati” di Michele Bovi, Raiuno 2010.


Tomas Milian con Michele Bovi.


Benvenuti-Berselli-Panella: i più forti del mondo.

Il Tg2 festeggiò con questo Dossier i 40 anni dalla leggendaria conquista del titolo mondiale di pugilato di Nino Benvenuti. Quell’evento sportivo fece da filo conduttore alla ricostruzione storica di un anno – il 1967 – di svolte e avvenimenti significativi in ogni settore sociale: dalla politica alla musica. A illustrare e commentare gli avvenimenti di quei 365 giorni l’autore chiamò due cari amici: Edmondo Berselli, ovvero il più arguto tra i politologi prestati alla saggistica e Pasquale Panella, ovvero il più raffinato dei poeti prestati alla canzone. Ne scaturì un documento insolito.

“Nell’Anno di Nino” di Michele Bovi, Tg2 Dossier RAI, 14 aprile 2007.


Il primo gennaio 2003 ci lasciava Giorgio Gaber. Per la circostanza Raidue realizzò uno “Speciale Signor G.” condotto da un altro eminente artista italiano, Sergio Endrigo: una scelta che consentì di trasformare una celebrazione in una strabiliante panoramica della canzone d’autore con la rivisitazione dei suoi principali protagonisti. Sergio Endrigo, che accettò con commosso entusiasmo di presentare il programma, era già malato e i suoi interventi vennero registrati nella sala di attesa della clinica romana Santa Lucia. Endrigo scomparve poco più di due anni dopo, il 7 settembre 2005.

Sergio Endrigo in “Speciale Signor G.” (Raidue, 2003).


“Il racconto di Michele Bovi è straordinariamente vivo e originale. La sensazione è che anche i più accaniti affaristi e manipolatori siano riusciti a mostrare il loro lato migliore: la passione per la musica”.

(Dalla prefazione di Maurizio Costanzo)


Negli ultimi 80 anni la musica in Italia non è stata soltanto colonna sonora della trasformazione del costume ma spesso fondamentale veicolo di mutamenti sociali. Così l’arrivo del rock and roll, il diffondersi del beat, il successo dei cantautori hanno determinato svolte comportamentali nelle famiglie, nella scuola, nel lavoro. La musica ha interessato valori morali, commerciali, industriali in un processo che ha indotto l’affermazione di mode e tendenze costituite di colori e centimetri di capelli e gonne, ha stimolato strumenti di emancipazione e protesta politica, ha altresì alimentato la diffusione di sintomi ed effetti del disagio come alcol e stupefacenti. Tutto ciò ha innescato l’esigenza di sorvegliare i fenomeni e i loro mezzi di emanazione e sviluppo con l’attivazione mirata degli apparati di informazione e sicurezza. Così l’Intelligence ha fatto ingresso nel mondo delle canzoni, un settore in cui già convivevano realtà apparentemente estranee come l’industria delle armi e la criminalità organizzata. Note Segrete ci racconta, attraverso testimonianze e documenti esclusivi, una serie di queste sconcertanti connessioni. Scopriamo così che uno dei più feroci padrini di Cosa Nostra fu il benevolo e sagace consigliere di artisti e discografici nel periodo d’oro della canzone italiana e numerose altre storie che raggiungono i giorni nostri di inafferrabili malavitosi prossimi al mercato della musica per interessi economici, ma nondimeno per impulso sentimentale. Ci accorgiamo che a seguire le prime mosse di pionieri nostrani del rock come Celentano, Mina, Gaber, Jannacci c’era un militare ritenuto strategico nella campagna di liberazione italiana. Apprendiamo che il leggendario Piper Club oltre ad essere il locale più alla moda d’Italia, passerella dei vip, tana dei capelloni inglesi e americani, era anche un crocevia di spie. Così come ogni locale notturno dal dopoguerra è stato ritrovo di temibili banditi e assieme palestra di eroici, straordinari artisti: da Renato Carosone a Fred Buscaglione, da Bruno Martino a Fred Bongusto, da Sergio Endrigo a Lucio Battisti.

“Dall’incursione di Bovi esce uno Stato inquieto, preoccupato per l’esplosione del rock, con la sua forza giovane e contestatrice, potenzialmente eversiva”.

(Luigi Bolognini, La Repubblica)

“In questo avvincente libro l’autore racconta i retroscena inesplorati e misteriosi della musica italiana”.

(Giordano Casiraghi, L’Unità)


“Note Segrete si ascolta come un juke-box, ma si legge come un noir”.

(Nanni Delbecchi, Il Fatto Quotidiano)


“Come Bovi spiega molto bene Cosa Nostra in America sembrava prendersi cura dell’immagine della confraternita di immigrati, giocando molto sulla nostalgia incrementata in particolare attraverso la canzone, il repertorio italiano e soprattutto il partenopeo”.

(Nazareno Giusti, Avvenire)


“Un’infinità di trame che Bovi propone con una scrittura piana e veloce, documentatissima e brillante, corroborata da testimonianze e che si legge con facilità”.

(Raffaello Carabini, Affari Italiani)


“Sono stato il moderatore della presentazione milanese di Note Segrete: il libro di Michele Bovi sui servizi segreti che spiavano la musica degli anni sessanta e settanta è bellissimo”.

(Aldo Vitali, direttore di TV Sorrisi e Canzoni)

Iacobelli editore
Pagine: 254
Illustrazioni: oltre 270 colore e b&n
ISBN: 978-88-6252-592-3


La storia della RCA Italiana

Il cantante statunitense Gene Pitney eccezionale narratore della storia del 45 giri, per un Tg2 Dossier realizzato nel 2001, ovvero a mezzo secolo dalla nascita del supporto musicale più amato da tre generazioni di giovani e nei giorni della chiusura della maggiore casa discografica della penisola: la leggendaria RCA Italiana (dal 1987 passata alla BMG) con conseguente sgombero degli storici e prestigiosi stabilimenti romani di Via Tiburtina. Dalla cassaforte della RCA Italiana uscirono per l’occasione brani inediti di Lucio Battisti, Mia Martini, Lucio Dalla, Gianni Morandi, Claudio Baglioni.

Gene Pitney conduce “Quando andavamo a 45 giri” di Michele Bovi, Tg2 Dossier RAI, giugno 2001


– Ennio Melis, già direttore RCA Italiana
– Augusto Giribaldi, già tecnico del suono RCA Italiana
– Little Tony, cantante
– Franco Migliacci, paroliere
– Edoardo Vianello, cantante
– Gino Paoli, cantante
– Sergio Bardotti, già direttore Linea Giovani RCA Italiana
– Ennio Morricone, già arrangiatore RCA Italiana
– Sergio Endrigo, cantante
– Nada, cantante
– Vincenzo Micocci, già dirigente RCA Italiana
– Alberto Fortis, cantante
– Roberto Gasparini, già direttore BMG
– Mario Cantini, già editore discografico RCA Italiana

– Perry Como
– Mario Lanza
– Harry Belafonte
– Rita Pavone
– Gianni Morandi
– Frank Sinatra
– Pat Boone
– Petula Clark
– Paul Anka
– Sandy Shaw
– José Feliciano
– Joan Baez
– Charles Aznavour
– Little Tony con Gene Pitney
– Ricky Shayne
– Edoardo Vianello
– Gino Paoli
– Patty Pravo
– Claudio Baglioni
– Neil Sedaka
– The Platters
– Lucio Dalla
– Mia Martini
– Lucio Battisti

Gene Pitney

Gene Pitney con Michele Bovi, Hartford (Connecticut) 2001.

Raggiunsi Gene Pitney nella sua casa di Hartford, nel Connecticut, la cittadina dove era nato nel 1940. Mi mostrò il “salone della musica” in cui conservava i suoi ricordi: le pareti tappezzate da manifesti anni ’60 di cantanti italiani, da Caterina Caselli a Gigliola Cinquetti, da Gianni Pettenati a Dino, poi foto con Little Tony, con Sergio Endrigo, immagini del suo matrimonio celebrato a Ospedaletti nel 1967 durante il Festival di Sanremo. “L’Italia è stata la mia America – mi disse mentre la moglie Lynne mi offriva un caffè espresso, ristretto e bollente come a Napoli Centrale – Negli USA ero partito bene: una manciata di dischi in testa alla Hit Parade dopo il grande successo del 1961 di Town Without Pity, il tema del film La Città Spietata, composto da Dimitri Tiomkin, uno dei più grandi compositori di colonne sonore cinematografiche. Ma subito dopo arrivarono la popolarità europea e l’apoteosi italiana: da voi fu un sogno meraviglioso, concerti, radio e televisione senza soste, un disco d’oro dopo l’altro, coccolato da un popolo che adoro”. Gene Pitney è morto per infarto il 5 aprile del 2006, a Cardiff (Galles) la sera successiva a un suo acclamato concerto.

Gene Pitney Lynne

Gene e Lynne Pitney.


La Voce di Enrico Caruso


Si tratta di un’imponente quantità di materiale assolutamente inedito prodotto da Caruso nell’arco di 24 anni, dal 1897 fino a poco prima della morte avvenuta a Napoli, sua città di origine, il 2 agosto del 1921. Oltre al materiale epistolario vi sono caricature, disegni e vignette di cui Caruso fu geniale autore, polizze assicurative attestanti pagamenti di premi e risarcimenti, ricevute, conti, rimesse bancarie, estratti conto, trasferimenti, ricevute di alberghi di tutto il mondo, atti del processo che lo vide coinvolto e pienamente assolto a New York per “disorderly conduct”. Destinatari e mittenti delle lettere sono soprattutto la prima compagna Ada Giachetti da cui l’artista ebbe i figli Enrico jr. e Rodolfo e la moglie americana Dorothy Benjamin Parker che dette a Caruso la figlia Gloria, ma anche suoi eminenti contemporanei come Giacomo Puccini e Guglielmo Marconi.
Il ritrovamento di tale materiale permette la sistemazione biografica definitiva dell’inarrivabile tenore e inoltre consente una descrizione senza precedenti degli anni e dei protagonisti più importanti del melodramma italiano. La straordinaria documentazione è stata ritrovata dal giornalista Michele Bovi e dallo scrittore Pasquale Panella che l’hanno utilizzata per la realizzazione del Tg2 Dossier intitolato “La Voce di Enrico Caruso”.

La voce di Caruso” di Michele Bovi e Pasquale Panella, Tg2 Dossier RAI, 22 novembre 2008. [ENGLISH SUBTITLES]